Der Film „In die Sonne schauen“ stellt eine bemerkenswerte Abweichung von den üblichen deutschen Kinoproduktionen dar und bietet ein zutiefst sinnliches und unkonventionelles Kunsterlebnis. Regisseurin Mascha Schilinski wagt es, mit etablierten Erzählkonventionen zu brechen und lädt das Publikum ein, den Film primär zu fühlen, statt ihn intellektuell zu durchdringen. Diese Herangehensweise, die in den ersten Minuten mit einer Szene in einem alten Bauernhaus auf Plattdeutsch sofort eine besondere Atmosphäre schafft, hat dem Werk bereits internationale Anerkennung eingebracht, darunter einen Jurypreis in Cannes und die Einreichung für einen Oscar. Das Werk beleuchtet auf fragmentarische Weise das Leben von Frauen über verschiedene Epochen hinweg und regt eine tiefgehende Auseinandersetzung mit Themen wie Erinnerung und transgenerationalen Traumata an, wodurch es weit über ein traditionelles Filmerlebnis hinausgeht.
Die Eröffnungsszenen von „In die Sonne schauen“ ziehen den Zuschauer unmittelbar in eine Atmosphäre, die gleichermaßen fremd und seltsam vertraut wirkt. Eine Gruppe junger Mädchen in altertümlicher Kleidung spielt einer älteren Frau im bäuerlichen Ambiente einen Streich, indem sie deren Hausschuhe am Boden festnageln. Die darauffolgende Verfolgungsjagd der jauchzenden Kinder durch das Haus mit einem Kochlöffel illustriert die dynamische Inszenierung, während gleichzeitig eine langsame, beinahe meditative Erzählweise etabliert wird. Verstörende Details, wie die Szene, in der ein Mädchen den Finger in den mit Schweiß gefüllten Bauchnabel eines kranken Mannes taucht, signalisieren von Beginn an den Bruch mit konventionellen Sehgewohnheiten. Mascha Schilinski fordert das Publikum heraus, sich von der Notwendigkeit einer klaren Handlung zu lösen und sich stattdessen auf eine visuelle und emotionale Reise einzulassen, die eher der Funktionsweise der menschlichen Erinnerung gleicht – bruchstückhaft, assoziativ und oft rätselhaft.
Das Kernstück des Films bildet ein alter Bauernhof in der brandenburgischen Altmark, der als Schauplatz für vier lose miteinander verbundene Epochen dient. Ohne genaue Angaben zu Verwandtschaftsverhältnissen oder direkten kausalen Zusammenhängen wechselt der Film zwischen den 1910er Jahren (kurz vor dem Ersten Weltkrieg), den 1940ern, den 1980ern und einer Epoche nahe der Gegenwart. Der Fokus liegt dabei stets auf den weiblichen Figuren und ihren oft tragischen Schicksalen, darunter wiederkehrende Suizide, deren Beweggründe für den Betrachter oft im Ungewissen bleiben. Eine der wenigen „Auflösungen“ des Films betrifft das fehlende Bein eines bettlägerigen Mannes, welches als Indiz für die Zeit kurz vor dem Ersten Weltkrieg dient. Diese bewusste Fragmentierung der Erzählung fordert den Zuschauer auf, die Lücken selbst zu füllen und sich auf die Kraft der Bilder und die atmosphärische Dichte einzulassen. Es ist eine bewusste Abkehr vom mainstreamigen, leicht konsumierbaren Kino, das jede Frage beantwortet und keine Ambiguität zulässt.
Die zersplitterte Erzählstruktur von „In die Sonne schauen“ erzeugt eine verblüffende Analogie zur menschlichen Erinnerung. Familiengeschichten, die über Generationen weitergegeben werden, verändern sich im Laufe der Zeit: Details geraten in Vergessenheit, neue Elemente werden hinzugefügt, Korrekturen vorgenommen. Doch der Kern des kollektiven Familiengedächtnisses bleibt bestehen und gibt Identität. Diese Parallele bildet den emotionalen Anker des Films. Mascha Schilinski selbst offenbarte in Interviews, dass die Inspiration für das Werk aus der Entdeckung eines alten Familienfotos auf einem Altmärker Hof entstand, was ihre Neugier auf die Erlebnisse der abgebildeten Frauen weckte. Diese persönliche Herangehensweise macht „In die Sonne schauen“ zu einem zutiefst intimen Erlebnis. Der Film schafft Raum für eigene Projektionen und persönliche Assoziationen, indem er den Zuschauer einlädt, die Fragen des Films auf die eigene Familiengeschichte zu übertragen. Dies äußert sich in der Fähigkeit des Films, scheinbar längst vergangene Gerüche, Lichter und sogar Dialekte aus der eigenen Vergangenheit zu evozieren, was ein intensives, multisensorisches Erlebnis schafft.
Gerade die dunkleren Aspekte der Familiengeschichte, wie transgenerationale Traumata, die sich in den Nachkommen unserer Ahnen widerspiegeln, werden im Film thematisiert. Eine Figur aus dem 80er-Jahre-Strang äußert treffend: „Mutti weiß Sachen, an die sie sich eigentlich gar nicht erinnern dürfte.“ Dieser Satz verdeutlicht, wie prägende Erlebnisse unserer Vorfahren – von Weltkriegen bis hin zu Naturkatastrophen – unser eigenes Leben formen, oft unbewusst. Bei der deutschen Premiere des Films wurde das Publikum explizit ermutigt, sich dem Film mit den Sinnen zu nähern und den Versuch abzulegen, ihn rational zu erfassen. Diese Anweisung erweist sich als Schlüssel zum Verständnis, denn „In die Sonne schauen“ ist weniger ein herkömmlicher Spielfilm als vielmehr ein Kunstwerk, das emotionale Resonanz über narrative Logik stellt. Im Gegensatz zu vielen aktuellen Produktionen, die um die ungeteilte Aufmerksamkeit des Publikums kämpfen und keine Fragen offenlassen, fordert dieser Film zur aktiven Auseinandersetzung heraus. Er wagt es, widersprüchliche und mitunter unangenehme Gefühle zu erzeugen, die jedoch einen produktiven Reflexionsprozess in Gang setzen. Die beeindruckende Soundkulisse des Films verbindet die lose miteinander verknüpften Elemente auf brillante Weise, und die poetischen Bilder sowie das herausragende Ensemble verleihen dem Ganzen eine einzigartige künstlerische Tiefe. Der Film zelebriert die Stärke und die oft verborgenen Geschichten der Frauen, die unser Leben geprägt haben, und reflektiert deren Kampf im Wahnsinn des Familienlebens, der manchmal triumphiert und manchmal scheitert.
„In die Sonne schauen“ ist seit dem 28. August 2025 in den Kinos zu sehen und bietet eine seltene Gelegenheit, sich auf ein künstlerisch anspruchsvolles und zutiefst persönliches Filmerlebnis einzulassen, das die Grenzen des traditionellen deutschen Kinos sprengt und das Publikum zu einer introspektiven Reise einlädt.
